Brutus Barberini - Sara Martínez

BRUTUS BARBERINI

El Brutus Barberini de finales del siglo I es una escultura romana que representa un modelo de retrato funerario de autor anónimo y que se encuentra en el Palacio de los Conservadores de Roma.

El género escultórico más importante de Roma es el retrato, realizado mayoritariamente de busto. La escultura romana es heredada de Grecia, aunque también de la escultura etrusca. Se ha considerado que los romanos heredaron de los griegos su tendencia a la idealización y de los etruscos la búsqueda del realismo y de la expresividad, que será una preocupación constante en Roma.

La retratística romana, basándose en la tradición etrusca, comenzó su producción en los siglos II y I a. C., con máscaras funerarias de cera extraídas de los rasgos del fallecido. Al principio solo los patricios romanos que habían ejercido cargos públicos tenían derecho a retratos. A finales del siglo I a. C., el retrato empezó a hacerse a personajes vivos. El retrato romano trataba de reflejar con fidelidad los rasgos individuales del retratado sin omitir los defectos, de ahí que fuera de un penetrante realismo.

En esta obra se nota el influjo que se ejerce sobre la escultura romana: el etrusco, que le lleva al realismo en los rostros, y el griego, que dota a la obra de la idealidad en el empleo del canon y el contraposto clásicos.

El Brutus Barberini” es una escultura de bulto redondo, partiendo de un bloque cilíndrico, que refleja al personaje en su totalidad, a tamaño natural, un senador portando en la mano dos bustos de sus antepasados seguramente esculpidos partiendo de las máscaras mortuorias que las familias romanas poderosas hacia de sus antepasados.   

El canon de la figura principal es de ocho cabezas, lo que alarga la esbeltez del senador. Realizado en mármol finalmente pulido. Pertenece a la modalidad de togato, ya que se nos presenta a un senador que viste la toga de amplios y angulosos pliegues típica de su rango. Cuenta con la técnica de paños mojados, la toga deja entrever una pierna izquierda ligeramente más avanzada que la derecha, a lo que se denomina contraposto.

    Predomina la visión frontal y una clara verticalidad que se rompe con el contraposto de las piernas La figura central se encuentra en reposo, apoyada sobre la pierna derecha y porta dos cabezas-busto en las manos, una de ellas posa sobre una columna y la otra la mantiene en el brazo izquierdo en actitud tensa. La columna está decorada con temática vegetal y su altura llega a medio cuerpo de la figura. El rostro de la figura central es duro y de pómulos salientes, con arrugas faciales marcadas, ausencia de pelo, nariz grande y recta con rasgos realistas, y el de los dos bustos con expresión más suave, más serenos, aunque carecen del nivel de arrugas de la figura principal lo cual resta realismo.

La figura nos transmite el orgullo de un patricio romano ante la importancia de su linaje, representado por los retratos realistas de sus familiares que le confirman en esa sensación de superioridad, símbolo de su importancia social y de sus privilegios tan propios de los patricios romanos. 

Noelia Vaquero y Paula Pérez - Ara Pacis

* ARA PACIS *

 

 

El Ara Pacis es un monumento romano que se inauguró el 30 de enero del 9a.c. (Fecha que coincidía con el cumpleaños de Livia la mujer del emperador). Fue creado por decisión del senado para agradecer a Augusto por la época de esplendor de la que disfrutaba Roma, denominada la “Pax Romana”, tras sus victorias en Hispania y la Galia. Para ofrecer en sacrificio un carnero para el dios Jano y dos bueyes para el dios Pax para que los magistrados, sacerdotes, vírgenes vestales celebrasen cada año un sacrificio. Como se refleja muy bien en esta frase textual de Augusto: “Cuando regresé a Roma de la Galia y de España, bajo el consulado de Tiberio Nerón y Publio Quintilio, felizmente concluidas las empresas en aquellas provincias, el senado decretó que había que consagrar un ara a la paz augustea en el Campo Marcio y ordenó que en ella los magistrados, los sacerdotes y las vírgenes vestales celebraran cada año un sacrificio”.

 

El Ara Pacis estaba situado en el Campo de Marte, el cual estaba dedicado a maniobras militares y actos gimnásticos de jóvenes romanos. Se situaba junto a otros monumentos como el Horologium o Solarium Augusti (reloj de sol) y a 300 metros del mausoleo de Augusto, también cerca del río Tíber, lo que provocó inundaciones quedando el Ara Pacis olvidado por un tiempo.

Hasta 1536 cuando se encontró un grabado de Agostino Veneziano, en el que aparecía un cisne con las alas abiertas, señal de que se conocía el Ara Pacis. La próxima noticia fue 30 años más tarde cuando un cardenal compró nueve grandes bloques que pertenecían al altar. La próxima noticia no se da hasta 1859 cuando en el palacio de Peretti se hallaron fragmentos del friso. En 1903 empezaron las excavaciones gracias a Eduardo Almagia, quien autorizó la excavación, pagó los gastos y dono todos los hallazgos. En ese mismo año se decidió parar las excavaciones, después de haber encontrado 53 fragmentos, porque se temía por la estabilidad del edificio. En 1937 se continuaron  las excavaciones, Mussolini, entre julio y septiembre de 1938 escogió el pabellón de Lungotevere para albergar el Ara Pacis, que se reconstruyó en el pabellón de Vía Rippeta en menos de un año y medio, aunque con imperfecciones como el uso de hormigón y porfido falso en lugar de mármol y travertino además de mayores distancias entre las columnas tanto de los laterales como de los lados, todo ello por no retrasar la fecha de entrega, el 23 de Septiembre de 1938. En 1950 se quito el muro antiproyectiles, que sustituía las vidrieras, puesto durante la guerra y se sustituyeron las vidrieras por la estructura externa en 1970. Diez años más tarde se hicieron reformas que más tarde dieron problemas y por ello se agrietó el mármol. En 1995 se cambió la estructura exterior.

 

 

Características:

 

-         El material es mármol.

-         Altar a modo de pequeño templo, con forma rectangular.

-         Dimensiones: 11x10x4’60 (largo, ancho, alto).

-         Las esculturas están enmarcadas por relieves geométricos.

-         Sobre un podium; tiene dos entradas, una para el sacerdote oficiante, con una escalinata y la otra para los animales a sacrificar, situadas al este y el oeste.

-         Cada uno de los bloques del Ara Pacis, tanto internos como externos, están grabados por esculturas, de alto, medio y bajo relieve. Las esculturas más representativas son, Augusto y su mujer, Agripa y su hijo Cayo, Eneas, la diosa Roma, el dios Apolo, Rómulo, acompañando a Augusto, sacerdotes, vírgenes, miembros del senado… 

-         En la cara oeste se situaba una escalinata, además era la puerta principal. En la parte superior izquierda aparece el Dios Marte junto a la loba capitolina, de la que no quedan restos, en la parte de la derecha aparece el sacrificio de Eneas, en el que se aprecia la influencia de Fidias. La cara este se sitúa en la parte de atrás paralela  a la cara oeste. En la parte superior izquierda aparece un Tellus; compuestos por tres mujeres la del medio representa a la Tierra y tiene dos bebés que hay quien dice que podrían ser Rómulo y Remo o Julio y Cayo César los herederos legítimos de Augusto. A su derecha otra mujer representando al Aire subida en un ave. Y a la derecha otra mujer sentada en un  monstruo marino, representando al Agua. En la parte de la derecha se representa la diosa  Roma de la que apenas quedan restos. En el lado norte aparece una procesión de personas de la vida cotidiana.  En la que se aprecia el alto, medio y bajo relieve, además de algunos retratos. En el lado sur aparece la procesión de Augusto acompañado por su mujer, y otros muchos personajes importantes como Agripa y su hijo, Julia…

-          Además en la parte inferior de todo el Ara hay elementos florales como: bayas, peras, manzanas, uvas…, roleos (vegetales enrollados) con sus tallos, hojas y flores, bucráneos (cráneos de buey); que nos hacen pensar en el horror vacui, o `miedo al vacío´(relleno de todo espacio vacío en una obra de arte con algún tipo de diseño o imagen). En uno de los bloques aparecen la Tierra con dos bebes, entre el Aire sobre un cisne y el Agua sobre un monstruo marino. En la parte oeste aparece el mito de la fundación de Roma, donde aparecía la loba capitolina y Eneas haciendo un sacrificio. En la parte este encontramos una diosa que en la actualidad sigue motivo de discursión. En los lados norte y sur aparecen Augusto, sacerdotes, Agripa con su hijo Cayo agarrado a la túnica de su padre. En los lados del ara hay conductos para la salida del agua que se utilizaba para limpiar el altar después de un sacrificio.

-         Al principio el Ara Pacis estaba policromado, pero con el paso de los años se ha ido deteriorando hasta quedar solo el color del mármol.

 

El altar estaba situado de tal forma que la sombra del gran obelisco situado en el campo de Marte se proyectaba sobre el Ara Pacis el día del cumpleaños de Augusto.

 

LAS TERMAS DE CARACALLA

 

Alba Calvo Navarro

 

Las termas fueron los edificios sociales más importantes de Roma, considerados lugares de ocio y de recreo. Pero además del cuidado del cuerpo, se procuraban realizar diferentes actividades como conciertos o lecturas, ya que como decía Juvernal: “La mente y el cuerpo tienen igual derecho a la salud”.

 

Las primeras termas fueron inauguradas por el emperador Marco de Agripa, a este le siguieron otras como las termas de Nerón en el 68 d.C., las cuales estaban basadas en un eje central con distribución idéntica a ambos lados, las de Tito y Trajano y posteriores a las termas de Caracalla encontramos entre otras  las de Diocleciano, construidas casi un siglo después que estas, eran muy similares en forma pero su mayor diferencia es que en estas cabían 3000 personas mas casi el doble  que en las de Caracalla.

Las termas de Caracalla son iniciadas en 206 d.C. y completadas entre 212 y 217 d.C.

Su impulsor fue el emperador Séptimo Severo, aunque fueron realizadas durante el reinado de su sucesor Caracalla para perpetuarse en la historia como alguien importante y poderoso. A diferencia de los baños anteriores estos se diseñaron a escala colosal, sobretodo en lo relativo a bóvedas y decoración.

El conjunto ocupa una extensión de más de 13 hectáreas, el edificio principal tenia 228m de largo por 166 de ancho y 38,5 de alto. Las termas acogían a 1600 personas.

Pese a ser unas termas de carácter popular, a diferencia de de las de Nerón o Trajano que eran termas aristocráticas, están construidas con magnifico materiales. Contaban con una gran decoración, esculturas tan importantes como “El Hércules descansando” o “El toro Farnesio” (la mayor escultura de bulto redondo de la antigüedad clásica que ha llegado a nuestros días, la obra fue muy estimada e imitada existiendo un fresco pompeyano con este motivo y en la actualidad esta escultura se encuentra en el museo de Nápoles ), varias bañeras gigantescas de mármol esculpidas en un solo bloque, las cuales se trasladaron al centro de Roma para usarlas como fuentes, pero sin duda la verdadera riqueza decorativa la encontramos en los mosaicos localizados en el suelo, de motivos geométricos, florales y figurativos. La gran mayoría de los que aun se conservan pertenecía al suelo del segundo piso ahora ya derruido.

En el recinto exterior que llegaba a alcanzar los 300m de lado, presentaba en su fachada una larga línea de porches de forma simétrica, con una serie de locales a dos niveles que probablemente serían tiendas, a cada lado encontrábamos tres amplias salas y al fondo un medio estadio, con una magnifica gradería que ocultaba las grandes cisternas.

Desde el vestíbulo se accedía al apodyteria o vestuario, y una vez allí se accedía a la palestra (el gimnasio), la zona era un amplio patio sin cubierta rodeado en tres lados por pórticos, con un techo abovedado y suelos de mosaicos de espiga, en el otro lado había un amplio semicírculo.

Al finalizar los ejercicios los romanos se dirigían a las termas. Donde encontramos tres salas, el frigidarium donde se tomaban los baños fríos, tenia 100m de longitud 25 metros de anchura y 35m de altura. Estaba  cubierto por enormes bóvedas de arista sostenidas por columnas adosadas que se coronan con elegantes entablamentos. Al norte del frigidarium se hallaba el natatio, o gran piscina y al sur de este se ubica el tepidarium, donde se tomaban los baños templados y el caldarium, sala circular dedicada al baño de agua caliente, de vapor y al masaje, cubierta de una cúpula de media naranja. Para que todo este recorrido de agua fuese posible es muy importante destacar el sistema de abastecimiento de agua y los hornos.

El agua era traída de los manantiales de Subiaco a 100Km  de Roma, por el acueducto de Aqua Marcia y se depositaba en sus enormes cisternas con  una capacidad  de 80000m3, desde allí bajaba por unos tubos que atravesaban los jardines rumbo al edificio.

Calentar el agua fue bastante complejo se utilizaban dos hornos uno exterior y otro interior, donde se encontraban esclavos avivando las llamas para conseguir diferentes temperaturas, además para la difusión del calor se elaboro el sistema de hipocausto (sistema de calefacción del suelo).

 

Los sistemas constructivos en las termas de Caracalla son los habituales en Roma: el hormigón, arcos de descarga en los muros, revestimientos de mármoles y estucos, etc. Solo se introduce una novedad, en algunas salas se emplea por primera vez la pechina, como elemento que permitiera asentar cúpulas en estancias de planta circular.

En conclusión podemos decir que el propósito de Caracalla se cumplió ya que en cada punto de esta impactante edificación se observaba la grandiosidad y majestuosidad con la que el emperador quería ser recordado.

 

 

Octavio Augusto de Prima Porta - Eugenia Lamas

Esta obra representa a Octavio Augusto, primer emperador de Roma en el 29 a.C. Formo parte del Segundo Triunvirato junto con Antonio y Lépido y su imperio se caracterizó por ser una época de paz, estabilidad, desarrollo y esplendor cultural a la que se le  llamo “PAX AUGUSTA”.

La escultura es la replica en mármol de otra escultura del emperador realizada en bronce y hecha para conmemorar las conquistas de Hispania y la Galia. La escultura es del año 14 d.C. y fue encargada por Livia, esposa de Octavio Augusto, cuando enviudo. Fue encontrada en  1863 en las ruinas de la Villa de Ad Gallims Albas que fue donde se retiro Livia tras la muerte de su esposo. En la actualidad esta en los Museos Vaticanos en Roma. Se piensa que pudo estar policromada ya que aun se pueden observar restos de colores como dorado, púrpura, azul y otros colores y aunque su autor es anónimo se cree que pudo ser un escultor griego debido a su parecido con el Doríforo de Policleto.

La obra es de estilo  romano y un retrato ya que, se puede observar que se busca el máximo realismo en la obra a través de las técnicas de reproducción etrusca. La  escultura representa a Octavio augusto vestido con traje militar de gala y arengándose las ropas alrededor de su cintura. A este tipo de retrato se le llama “thoracatus”, que es cuando aparecen vestidos como jefes militares con ricas corazas en actitud heroica y decidida. Es una escultura exenta de bulto redondo, es decir, se puede contemplar desde todos los puntos de vista a su alrededor, aunque estaba hecha para mirar de frente.

En la obra podemos observar que el emperador levanta la mano derecha y con el brazo izquierdo sostiene el bastón consular y recoge el manto, con varios pliegues, en torno a su cintura. Para causar el efecto de plegado del manto se utilizo la técnica de los paños mojados. También que su actitud es reposada y serena y que el autor le da naturalidad a la obra al ladearle la cabeza y ponerle en posición de “contraposto”, que es cuando todo el peso del cuerpo se pone sobre una pierna y la otra esta flácida.

Una de las cosas que destaca de esta obra son los relieves de la coraza, pues tienes muchas alusiones a diversos dioses romanos. En el centro de la coraza podemos observar que hay un emisario “parto” entregando el estandarte romano con un águila reglamentaria a el dios Marte, el dios de a guerra, vestido de militar y con la loba capitolina como símbolo de grandeza y fuerza del imperio. También se dice que puede ser Tiberio el que este recibiendo el  estandarte como símbolo de ser el heredero a su cargo. A la espalda Marte auxiliando a augusto en la lucha contra los astures y cantabros. Por la parte baja del escudo se ve a Apolo, dios de la música con una lira, y Diana, diosa de la caza sobre un ciervo. Sobre los pectorales vemos representado el cielo, por Caelus que despliega su manto nocturno, y la tierra, por el sol encima del manto nocturno.

Debajo del todo vemos a la llamada Roma Terra Mater con emblemas de fertilidad, como el cuerno de la abundancia o los frutos. Y por ultimo donde están las hombreras podemos ver iconos de esfinges aladas muy típicas de la época.

El retrato aparece de pie, con todo el repertorio iconográfico que tiene una función propagandística y descalzo que es símbolo de divinidad. También podemos observar que agarrado a su pierna esta el dios Cupido subido a un delfín haciendo una referencia alegórica a su descendencia ya que, se le daba aspecto idealizado casi divino.

Templo Atenea Niké - Eugenia Lamas

El templo de Atenea Niké es un obra arquitectónica encargada por Pericles a Kalikrates en el 448 a.C. para que lo reconstruyera ya que había sido destruido en el 480 a .C. con la invasión de los Persas. Anteriormente en el siglo  VI  a.C.  el templo se había edificado sobre un bastión de los propileos (conjunto de edificios en forma de entrada triunfal) que domina la subida a la Acrópolis. Los materiales que se utilizaron fueron mármol y restos del anterior templo. Sin embargo, la reconstrucción se retraso debido las obras del Partenón ya que era el mismo arquitecto Kalikrates, quien la dirigía.

El templo estaría encuadrado en el orden jónico, que se solía utilizar para los templos de las divinidades femeninas. Tiene unos 8 metros de altura y esta sobre una plataforma escalonada desde donde se asientan los muros y las columnas jónicas de mármol con basa, fuste monolitico (una sola pieza de piedra) con  24 acanaladuras y capitel con volutas. El entablamento tiene un arquitrabe de 3  bandas y con un friso corrido en el que podemos observar escenas de hechos históricos, algo inusual en el resto d templos griegos. Las imágenes representan a Atenea, Zeus y Poseidón ayudando al pueblo griego en la batalla para lograr una victoria que no llego nunca. Esto se hizo con la intención de levantarle la moral al pueblo griego ya que estaba en la guerra del Peloponeso.

En la balaustrada que rodea el templo se pueden observar bajorrelieves de la diosa Atenea sedente y rodeada de sacerdotisas que le preparaban  animales para ser sacrificados. Estos relieves suponen que son posteriores a Fidias por la delicadeza y elegancia de los ropajes.

En cuanto a la planta, el templo tiene pronaos (vestíbulo delantero) y opistodomus (vestíbulo trasero) que hacen a su vez de pequeños pórticos.

El recinto sagrado se distribuía con una náos cuadrada. En su interior encima de un altar situado sobre unos peldaños hay una imagen de una Xoanon, es decir, una diosa Atenea personificada como Niké, símbolo de las victorias navales a la que se le cortaron las alas para que no pudiera escapar de la ciudad. El templo según el número de columnas es tetrástilo (4 columnas), según su número de pórticos es anfipróstilo (2 pórticos).

Podemos pensar que este templo es muy pequeño con respecto a los otros, como por ejemplo el Partenón, pero eso es debido a que se trata únicamente de una representación del “hogar” de la diosa. 

Maria Gimeno Martin                    PINTURA ROMANA

Al igual que la escultura y la arquitectura la pintura romana también se vio muy influenciada por las corrientes de Grecia,  poco conocida por su escasez de obras conservadas, y la etrusca con manifestaciones en tumbas escavadas en roca.

La pintura romana se realizaba en casi toda su totalidad en las paredes de las casa romanas más adineradas, por lo que se denomina pintura mural y la técnica que se  utilizaba se denomina pintura al fresco, se trata de la pintura ejecutada sobre un muro con revoque de cal húmedo (esto es una capa de cal y arena o de otros materiales con los que se recubre la superficie) donde encima se aplican colores (conseguidos generalmente con  elementos minerales) disueltos en agua de cal. El muro después absorbe esta mezcla de cal pero la intensidad del color disminuye, se puede conseguir colores mas vivos aplicando nuevas capas antes de su secado. Si la disolución y aplicación se ha realizado correctamente, se forma una película de carbonato de calcio que une solos colores a la pared.

En esta pintura mural se pueden diferenciar 4 estilos:

• Primer estilo o de incrustación:

Se da desde el siglo II a.C. hasta principios I a.C. (en época republicana)

Este estilo buscaba la imitación del revestimiento con mármoles y materiales ricos, para simbolizar la majestuosidad y riqueza mediante ellos.

Se representa con figuras muy geométricas y el fresco suele estar en 3 partes: un zócalo pintado imitando granito, una zona media imitando mármol y un remate a modo de cornisa.

Ejemplos de este estilo que se conservan en la actualidad serian la Casa de Salustio, Bilbilis en el museo de Calatayud en Zaragoza y la Casa Samnita en Herculano.

• Segundo estilo o arquitectónico:

Se da desde el siglo I a.C. hasta I d.C (en época de César y Augusto)

En este estilo se intenta imitar elementos arquitectónicos para crear además de suntuosidad, profundidad y perspectiva hacer que las estancias parecieran que eran de  mayores dimensiones. Se dan frecuentemente columnas ficticias que crean planos sucesivos y  ventanas, desde las que se pueden ver edificios o paisajes, esto último es un tema novedoso que se empieza a introducir en este estilo.

Ejemplos de este estilo que se conservan en la actualidad serian Casa Augusto, Casa Livia, Los paisajes de la Odisea (que se encuentran en el museo del Vaticano), la villa de Boscorreale, la casa de brazalete y en su mayor esplendor la villa de los Misterios la cual se explicará más en profundidad al final.

• Tercer estilo u ornamental :

Se da desde finales del siglo I a.C. hasta el siglo I d.C. (contemporáneo al estilo anterior)

En este estilo se mezclan los dos anteriores y donde aparecen elementos ornamentales como son el candelabro (que tiene la función de columna para dividir las paredes del fondo plano), figuras vegetales y de animales que se encuentran bajo un fondo oscuro y pequeñas escenas mitológicas. Teniendo menos realismo y siendo más fantasioso mediante colores intensos como los amarillos, negros, rojos y blancos.

Ejemplos de este estilo que se conservan en  la actualidad serian Casa de Lucrecius Fronto, villa Farnesina y Casa de Sulpicio Rufo.

• Cuarto estilo o ilusionista :

Se da en la segunda mitad del siglo I d.C.

Se alude al segundo estilo mezclando la perspectiva y profundidad con figuras y elementos muy diversos como cortinas, telones, máscaras, cintas y guirnaldas, teniendo un aspecto muy recargado y usando una variedad mayor de colores.

Ejemplos de este estilo que se conservan en la actualidad serian la Casa de los Vetti, la Domus Aurea de Nerón y por último Herculano.

Además de las pinturas de murales, existían pinturas sobre tabla (aquella que se realizaba sobre madera) pero de esta técnica no se han conservado muchos ejemplos al igual que en Grecia, y solían ser retratos de persona jóvenes y se han encontrado por lugares de todo el imperio romano, aunque en Pompeya y Herculano en mayor número.

Ejemplos de estas  pinturas sobre tabla son  los retratos de El Fayum, encontrados en las tumbas del Egipto romano.

Pintura Pompeyana:

El 24 de agosto del año 79 d.C. en la ciudad de Pompeya y sus alrededores tuvo lugar la erupción del volcán Vesubio que pilló por sorpresa a sus habitantes.

Bajo la lava han quedado los restos de testimonios de la vida diaria y del arte romano que prácticamente han permanecido intactos, pues el recubrimiento de estas capas de cenizas volcánicas les han preservado en muy buenas condiciones hasta nuestros días.

Muchos de los frescos que se ha n desenterrado en esta ciudad se encuentran ahora en el museo arqueológico nacional de Nápoles, pero a partir de una determinada época los arqueólogos prefirieron dejar en el lugar original las pinturas halladas, en vez de separarlas de las paredes para así apreciar de manera mas completa su refinación y gusto.

Gracias a todos los procesos de limpieza, conservación y restauración a los que se les han sometido nos permite recuperar los colores reales, detalles significativos, profundizar en su técnica y géneros artísticos.

La Villa de los Misterios  es una ruina bien conservada cerca de Pompeya, que sufrió sólo daños menores en la erupción del Vesubio, y la mayoría de sus paredes, techos, y más en particular sus frescos sobrevivieron en gran medida intactos.

Fue construida en la primera mitad del siglo II a. C. y sometida a muchas remodelaciones y ampliaciones. Más tarde descubrió en el año 1910 y causó enorme repercusión ya que no existe ninguna otra excavación de la época clásica que pueda compararse  con ella.

Esta villa tiene unos frescos muy bien conservados y que son en los que nos vamos a centrar,  se encuentran en una habitación que mide siete metros de largo por cinco de ancho; a destacar los vivos colores que predominan en los frescos -el negro y el rojo pompeyano muy característico por conseguir una intensidad muy destacada y el suelo es de mosaico blanco y negro.

Los frescos rodean toda la habitación emplazados entre dos frisos, superior e inferior.

Contienen veintinueve figuras humanas que miden alrededor de un metro y medio. Estos frescos están divididos en escenas:

-Primera escena que esta en la pared mas prolongada de la habitación se muestra una figura femenina que realiza una especie de ritual escuchando a la vez a un niño desnudo que está leyendo un rollo donde una sacerdotisa, sentada tras él, lo guía en su lectura mirando atentamente.

-La Segunda escena comienza con la figura de una mujer, que lleva alimentos  a la mesa del altar donde tres sacerdotisas inician un acto ritual.

-La Tercera escena se ve la figura de un hombre desnudo tocando la lira. A su lado, están sentados en una piedra un joven  y una mujer. Una cabra joven se aproxima a la mujer y mama de su pecho al lado de otra cabra.

La Cuarta escena contiene una única figura, conocida como la mujer espantada, que se cubre con un manto y da la impresión de estar huyendo. Aquí termina la larga pared interior.

-En la Quinta escena, en la pared del fondo de la sala, vemos en primer lugar a un hombre sentado, que parece fijarse en la mujer espantada. Este hombre levanta una vasija para que un joven pueda beber, detrás de este  otro joven que mira la vasija con una mascara en la mano.

-La Sexta escena esta lamentablemente, muy dañada. Muestra la figura de Dioniso recostado en su amada Ariadna.

-En la Séptima escena vemos a una mujer de rodillas con rostro desencajado y los ojos muy abiertos, lleva una antorcha sobre un hombro. Enfrente, la figura de un ángel femenino de alas negras alza una de sus manos para rechazarla mientras con la otra esgrime un látigo y levanta su brazo dispuesta a golpear. Esta escena se conoce con el nombre de La flagelación.

-En la pared continua  la Octava escena se ve de rodillas la figura semidesnuda de una mujer desesperada y presa del terror, pues es ella a quien el ángel se dispone a golpear. Apoya su cabeza sobre el regazo de la mujer sentada junto a ella, que mira al ángel. La otra figura de la escena desnuda, muy erguida, de espaldas al observadores es una mujer  que parece bailar a su alrededor.

-La Novena escena empieza en la ventana y en ella vemos a una mujer a quien peina una criada y un  cupido sostiene el espejo donde aquélla se mira. Al otro lado un segundo cupido contempla plácidamente la escena.

-En la décima y última escena se representa a una matrona ricamente ataviada que descansa en un sillón reclinado y apoya un brazo sobre un cojín. Este retrato se conoce como la Domina, porque se cree que representa a la matrona de la casa.

Hay opiniones muy diversas sobre la interpretación de estos frescos pero prácticamente es imposible conocer el significado de ellos. En una de estas interpretaciones se compara la escena de la flagelación con ritos de fertilidad  y otra es la posible representación de una joven pasando por los ritos del matrimonio. 

Andrea Calomarde y Maria Gimeno

EL ERECTEION

El Erecteion, que significa “el que sacude la tierra”, es un templo griego situado en la parte noroeste de la Acrópolis de Grecia, que se construyó entre los años 421 – 406 a.C.

Su arquitecto ha estado muy cuestionado, pero muchas fuentes apuntan a que fue Mnesicles.

Es un templo de orden jónico completamente irregular, y el cual se tuvo que adaptar al terreno donde había un gran desnivel de 3 metros.

El material con que está construido es mármol pentélico, que tenía un color perfectamente blanco y era muy demandado y preciado en la época.

El lugar donde se sitúa este templo no es al azar, sino que dice la leyenda que fue donde tuvo lugar la batalla entre Atenea y Poseidón, y como prueba de ello está la marca que dejó el tridente de Poseidón en una roca, y el olivo que plantó Atenea como regalo a los Atenienses, y el cuál se conserva en la realidad.

La estructura de este edifico es muy diferente al resto, porque se considera como la unión de dos templos en los que hay en total 5 cellas, que significa que tiene una entrada, y es una sala cerrada donde se a honra a un solo dios.

En la parte este se encuentra la cella dedicada a Atenea, con un pórtico de columnas de orden jónico; esto significa entre otros aspectos que la columna tiene un fuste más alargado, posee basa, el capitel está formado por dos volutas, y consta de un friso corrido.

En la parte norte hay otro pórtico de orden jónico, dedicado a Poseidón, y que a través de él se accede a la cella donde se rinde culto al rey Erecteo, desde la cuál se llega a dos cellas interiores de los dioses Butes y Hefesto.

En la continuación de la cella del rey Erecteo, en la parte sur, está la famosa tribuna de las cariátides, donde hay una escalera que baja a la tumba de Cécrope.

Las cariátides fueron una gran innovación de la época al colocar con función de columnas seis figuras femeninas para simbolizar a las mujeres de Caria que eran esclavizadas, por ello, que tengan que soportar el peso del templo.

Las figuras que se encuentran en la actualidad en el Erecteion son réplicas exactas para que no se deterioren las reales. De esas seis figuras, cinco están en el museo de la Acrópolis, y la restante se encuentra en el museo británico.

Características de las cariátides:

Son esculturas de 2’3 metros de altura, donde podemos observar cuerpos femeninos con pelo logrado pero que no alcanza gran naturalidad, ojos almendrados y nariz griega, labios gruesos con una sonrisa esteriotipada, o sea se que no transmiten sentimiento; todo esto muy propio de la época.

En la vestimenta de ellas se puede apreciar la técnica de paños mojados, donde en ellos se percibe lo que hay debajo.

Representan sus cuerpos muy rígidos pero le intentan dar algo más de naturalidad al cargar casi todo el peso en una sola pierna y al tener una parte de la cintura mas subida que otra, esto es el contraposto.

La conclusión que podemos sacar de este templo es que es muy diferente a los demás,  ya que su estructura es mucho más compleja debido a la gran importancia del lugar. Destacar que en él se rinde culto a una gran variedad de dioses, y finalmente la gran creación de las cariátides.

Maria Gimeno Martín.

Andrea Calomarde.