La Arquitectura Moderna de principios del siglo XX
Maria Gimeno Martín

María Gimeno Martín

 La Arquitectura Moderna de la primera mitad del siglo XX

Con la llegada del siglo XX la arquitectura renació y rompió con todas las características que había tenido hasta entonces, se creo una arquitectura moderna que abarca las primeras décadas del siglo XX. Se comenzó a construir con materiales completamente nuevos y revolucionarios como son el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano. Se caracterizaba por no tener una decoración de fachadas intensiva, componiendo espacios luminosos y diáfanos y utilizando nuevas técnicas constructivas.

Se deduce que este movimiento tiene un afán por la renovación de  todos los aspectos arquitectónicos. Dentro de esta arquitectura moderna encontramos pequeñas subdivisiones  arquitectónicas como son principalmente el Racionalismo y el Organicismo de principios del siglo XX

-Racionalismo: movimiento arquitectónico que surge en Europa tras la Primera Guerra Mundial en el primer tercio del siglo XX cuyos rasgos fundamentales son la simplicidad de formas utilizando volúmenes básicos, la desaparición de la ornamentación , la funcionalidad de la obra, el uso de materiales industriales y el dinamismo constructivo.

Entre 1925 y 1940, la orientación racionalista se difunde en toda Europa, ya por obras aisladas o por penetración de métodos constructivos nuevos, originando la formación de diversas escuelas.

Así pues se puede decir que el racionalismo arquitectónico, es la depuración de lo ya sobresaturado, dejando solamente lo esencial, lo practico y funcional para cada situación.

Un claro ejemplo de arquitecto racionalista es Le Corbusier

-Organicismo: término acuñado  por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright para definir un tipo de arquitectura que crea edificios que se adaptan el paisaje como organismos vivos y dinámicos que responden a las necesidades de habitabilidad pero sin alejarse de la concepción estética que huye de la pura funcionalidad.

Con la evolución de esta corriente se redactaron una serie de reglas que tenia que seguir la arquitectura para considerarse orgánica, Carta Gaia:

Ser inspirado por la naturaleza y ser sostenible, sano, conservativo, y diverso.

Revelar, como un organismo, el interior de la semilla.

Existir en el “presente continuo” y “comenzar repetidas veces”.

Seguir los flujos y ser flexible y adaptable.

Satisfacer las necesidades sociales, físicas, y del espíritu.

“Crecer fuera del sitio” y ser único.

Celebrar la juventud, jugar y sorprenderla.

Expresar el ritmo de la música y de la energía de la danza.

El más claro ejemplo de arquitecto orgánico es el de su fundador F. Lloyd Wright.

	Walter Gropius	Frank Lloyd Wright	Charles Édouard Jeanneret-Gris “Le Corbusier”
Profesión y movimiento:	Fue un arquitecto moderno alemán perteneciente al movimiento racionalista.	Fue un arquitecto moderno estadounidense perteneciente al movimiento organicista.	Fue un arquitecto y diseñador suizo nacionalizado francés perteneciente al movimiento racionalista.
Comienzos :	Al acabar sus estudios estuvo en  el despacho de Peter Behrens, después se independizó.	Al acabar sus estudios comenzó en la oficina de los arquitectos Adler y Sullivan mas tarde abrió su propio estudio de arquitectura.	Al acabar sus estudios trabajo en el estudio de Auguste Perret (pionero del hormigón armado) y después con Peter Behrens con Walter Gropius.
Características principales de sus obras:	Se centró principalmente en los grandes bloques de viviendas fusionando en ellas el diseño y la producción con formas geométricas simples y desnudas, esto hacía que la construcción fuera mucho más rápida y económica.	Se caracterizó por la realización de viviendas de pradera, las cuales estaban completamente camufladas con el entorno que les rodeaba, además intento suprimir los espacios cerrados dentro de la vivienda esto permitía una gran transparencia, luminosidad y amplitud.	Se centró también en los grandes edificios residenciales, para establecer mediante la arquitectura unos fines utópicos, visualizaba la vivienda como una máquina para vivir por ello enfatizaba en la funcionalidad y practicidad.
Materiales utilizados para sus arquitecturas:	Siempre utilizó materiales muy modernos en sus edificios principalmente eran el hormigón y vidrio.	Utilizaba materiales ligeros  y otros como piedra, madera, hierro, hormigón y vidrio, con esto intentaba buscar que resaltaran lo menos posibles en el medio, quería su fusión con la naturaleza.	Utilizó materiales sin pretender que estos fuesen con el ambiente no intentó disimularlos como el hormigón principalmente acompañado del vidrio.
Obra principal del autor:	Su principal obra fue la Escuela de la Bauhaus en Desau la cual recoge todas las características antes nombradas y es su más claro ejemplo de arquitectura racionalista.	Su obra más representativa del estilo organicista es Casa de la cascada en Pensilvania  la cual recoge todas las características que pretende transmitir el autor.	Todas estas características del autor y corriente se encierran en la que es una de sus obras arquitectónicas más importantes Unidad Habitacional en Marsella
Otra obras:	También destaca en la  obra de Gropius la  fábrica de Fagus en Alfeld.	Junto con la obra anterior el Museo Guggenheim, Nueva York también es una obra destacada del autor.	Igualmente podemos destacar la arquitectura de Villa Saboya que recoge también todas las características del autor.
Viajes y repercusiones posteriores:	Este arquitecto se exilió de Alemania marchándose a Inglaterra y más tarde en EE.UU. donde moriría  Dirigió al grupo de jóvenes arquitectos The Architects Collaborative o TAC. Gropius fue denominado uno de los creadores del “estilo internacional” en la arquitectura	Lloyd Wright   viajó por toda Europa especialmente a Alemania. Tuvo una gran repercusión en arquitectos posteriores y en la novelista Ayn Rand Además gran parte de sus hijos se dedicarían posteriormente a la arquitectura al igual que su padre teniendo ellos también  gran prestigio	Viajó por numerosos países europeos impartiendo clases, posteriormente visitó muchos países sudamericanos lo que influyó mucho en su obra. Sería uno de los líderes del llamado estilo internacional, y precursor del brutalismo. Fue un arquitecto muy admirado en su época e influyó a varias generaciones de arquitectos.
Otras curiosidades:			Le Corbusier realizó un gran estudio de la arquitectura y diseño en general editando libros durante toda su vida. Realizó un documento con los 5 puntos de la nueva arquitectura siendo técnicas constructivas novedosas: .Planta baja sobre pilotes  (dejando este espacio para automóviles) .Planta libre .Fachada libre .Ventana alargada .Terraza jardín También publicó un estudio “el Modulor” mediante el numero áureo para establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del hombre

	Escuela de la Bauhaus	Casa de la cascada	Unidad habitacional
Autor	Walter Gropius	Frank Lloyd Wright	Le Corbusier
Años de construcción	1919	Entre 1935 y 1939	Entre 1946 y 1952
Localización	En Dessau, Alemania	Sobre una cascada del río Bear Run, Pensilvania, Estados Unidos	Marsella, Francia
Contexto	Su fundación se produjo en una crisis del pensamiento moderno en Europa y especialmente en Alemania. Después se produjo un desarrollo político, social, educativo y artístico dado por las vanguardias de comienzo de siglo.	Nos encontramos ante los años previos a la Segunda Guerra Mundial.	Lo situamos pocos años después de la Segunda Guerra Mundial en la cual prácticamente todo Europa se encuentra arrasada por los conflictos.
Corriente a la que pertenece	Racionalismo	Organicismo	Racionalismo
Se emplearía para	Fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura, en la que también se incluiría una especie de campos con viviendas para profesores y alumnos, y la propia escuela municipal.	Fue diseña como una vivienda, exactamente la casa de campo  para Edgar Kaufmann y su familia, pero en la actualidad EE.UU. lo utiliza como un museo.	Se crearía una gran cantidad de viviendas encargadas por el Ministerio de Reconstrucción francés después de la Segunda Guerra Mundial.
Características principales	Se pretende tener una gran importancia pragmática y no se centra tanto en la parte estética. Tiene un estilo industrial, moderno y novedoso para la época, exaltando una imagen maquinista.	Lo primordial en esta arquitectura es su integración en el entorno, fusionándose con los factores ambientales del lugar pero olvidar las necesidades del hombre.	Esta arquitectura pretende tener un carácter completamente funcional dejando la decoración en un plano prácticamente inexistente, se inspira en el diseño compacto de los transatlánticos o también una especie de colmena utópica para así poder alcanzar una vida más eficiente, solidaria y racional.
Formas estructurales	Encontramos una serie de volúmenes prismáticos básicos  individuales e independientes entre las estructuras de la arquitectura.	Cuenta con una gran simplicidad de formas , vuelta a los volúmenes elementales y la lógica constructiva.	Es un edificio paralipípedo de grandes dimensiones y líneas simplificadas, una estructura rectangular de unas dimensiones  extraordinarias.
Distribución	La arquitectura no cuenta con un núcleo central sino que lo componen diversos cuerpos expandidos hacia el exterior, los dos cuerpos forman 2 alas que paradójicamente casi completan una esvástica .	La vivienda cuenta con 3 plantas extensas horizontalmente con sus respectivas terrazas salientes, encontramos un núcleo central que en la chimenea que crece verticalmente, todo esto acompañado de inmensos ventanales desde los que se observa el bosque y la cascada.	Encontramos una planta rectangular muy simple con unas dimensiones de 137 m por 24 m. todo el edificio se levanta sobre una serie de pilares externos lo que libera el suelo principal para su uso en jardines, espacios de ocio y transición de vehículos.
Planta	Cuanta con una planta en forma de doble T donde van girando una serie de planos y volúmenes de líneas rectas.	Es libre e independiente en cada piso, en la planta inferior encontramos unas estancias comunes y una inmensa terraza cubierta en parte flotando sobre el río, en el piso medio están las habitaciones y una enorme terraza exterior que corta horizontalmente la terraza del piso anterior y en el  ultimo piso encontramos las habitaciones de invitados que cuenta con una planta prácticamente cuadrangular y muy reducida .
Pisos	Cuenta con diferentes alturas en cada una de las secciones que lo componen, pero en todos ellos encontramos una serie de columnas  que le otorgan verticalidad.	Estos tres niveles se ven entrelazados entre sí gracias a las longitudes de cristaleras que recorren la casa horizontal y verticalmente jugando con el paisaje al verse reflejado, las luces y las sombras.	El edificio cuenta con 18 niveles que se distribuyen en un total de 337 duplex, donde 7 corredores permiten el acceso a cada vivienda, el las plantas 7º y 8º encontramos servicios comunitarios para todo los residentes y como gran innovación hallamos una inmensa azotea en la cual encontramos zonas de ocio comunes también como piscina, gimnasio, guardería…todo esto le hace tener un carácter social autosuficiente.
Fachada	Esta arquitectura simple aparentemente exteriormente pero compleja en diseño cuenta con una extensa piel de vidrio que da la sensación de flotar.		La fachada esta compuesta por una serie de marquesinas  y vanos con gran horizontalidad diferentes entre sí y que se superponen con los diferentes niveles del edificio. No encontramos ningún aspecto decorativo en toda la arquitectura.
Materiales	Especialmente hormigón armado y vidrio.	Hormigón, acero, piedra del lugar, madera,  hierro y vidrio.	Los materiales utilizados son hormigón armado y vidrio, sin decoraciones, sin elegancia, tanto en interiores como en exteriores.
Parte interior de la arquitectura	Toda la escuela cuenta con grandes espacios interiores que se pueden apreciar por las grandes vidrieras continuas que aparecen.	Interiormente es una vivienda que cuenta con muy pocos espacios cerrados intentando abrir siempre todas las habitaciones, separándolas simplemente con las distintas alturas de techos.	En la superficie interior encontramos una grañidísima división de viviendas que van desde simple pisos unipersonales hasta grandes apartamentos para 8 personas por lo que las propias viviendas cuentas  a su vez también con una intensiva división.

Maria Gimeno Martin
El Juramento de los Horacios

Nos encontramos ante una pintura mueble como es este Juramento de los Horacios, que se encuentra en el museo del Louvre de París, esta realizado en un óleo sobre lienzo por Jacques-Louis David  en el año 1784 y pertenece al movimiento neoclasicista.  Cuanta unas dimensiones de 3’30m por 4’25m.

Representa un tema

Esta obra está realizada por Jacques-Louis David ya que el rey Luis XVI se la encargó, este autor  fue ganándose prestigio social debido a sus estudios en la ciudad de Roma, a los diversos premios que le fueron otorgados y a sus exitosas exposiciones en París. Todo esto se ve enmarcado por un contexto en el que Francia está a las puertas de la Revolución francesa y se encuentra inmersa en un profunda crisis económica y con grandes tensiones sociales, debido a que la monarquía de este rey Luis XVI no ponía las medida suficientes para hacer frente a esta situación, es más se encargaban obra de arte que resaltaran el patriotismo, la fidelidad al poder, la lealtad a las identidades nacionales… por todo ello Jaques Louis realizó El juramento de los Horacios presentando un tema que reúne todos estos valores.

En esta obra está inspirada en el año 699 A.c. y se representa en ella a la familia de los Horacios romanos, en la que según cuenta la historia unos trillizos son destinados a la guerra de Curiacios para resolver así la disputa entre las dos ciudades, la batalla se disputará simplemente entre los tres hermanos Horacios y los tres hermanos Curiacios. Estas dos familias están unidas debida a que una de las hermanas de los Horacios está casada con uno de los Curiacios y una de las hermanas de los Curiacios esta casada con uno de los Horacios apareciendo esta en la obra. La obra en sí describe el momento en el que el padre de los Horacios manda a sus hijos a la guerra y estos hacen un saludo romano en el cual demuestran fidelidad y valentía, mientras que las mujeres de su alrededor se lamentan por ello.

Los personajes que aparecen son:

-como protagonista encontramos al padre Horacio, ya que realiza la acción principal, tomando juramento a sus hijos mientras sostiene un gran foco como son las espadas en su mano, su rostro no muestra ninguna emoción hacia sus hijos simplemente les obliga al cumplimiento del deber con la patria.

-en los personajes de la izquierda encontramos a los trillizos Horacios expresando lealtad y fidelidad que sienten hacia su pueblo y su ciudad, por ello se presentan con gran tensión y concentración. El que se encuentra más cercano al espectador es el esposo de la hermana de los Curiacio.

-la mujer co la túnica blanca representa a la hermano de los Horacio, Camila, la cual esta prometida con una de los hermanos Curiacio.

-la mujer con vestimentas marrones y azules es Sabina Curiacio la cual esta casada con uno de los hermanos Horacio, por lo que su esposo y su hermano se batirán en la batalla por lo que los llora.

-en el fondo encontramos a los hijos de la pareja de Sabina y el Horacio acompañados por la madre de los guerreros con una tela negra, donde a la niña se le oculta el rostro, pero el niño rechaza que le tapen los ojos para contempla así el momento del juramento.

Esta obra presenta una composición muy compleja a la vez que limpia y ordenada. Primeramente gracias al elemento constructivo que encontramos en el fondo del cuadro como son esos tres arcos de medio punto y sus columnas de orden dórico se puede dividir perfectamente la obra en tres partes verticalmente a cada uno de los tres arcos, en el primero encontramos a los tres hermanos creando mediante sus piernas y sus brazos un triángulo, estos tres personajes miran a un mismo sitio y el cual es el punto de fuga de toda la obra que se encuentra ya en la siguiente división, este punto son las espadas que sujeta el padre, hasta ellas llegan una serie de líneas compositivas de todo el cuadro y las miradas de estos jóvenes y del niño. Las cuadro figuras que aparecen en las dos primeras divisiones presentan líneas muy rectas con gran tensión y profundidad, las cuales siempre finalizan en el foco principal. En la tercera división encontramos el lamento de todas las mujeres y niños que a diferencia de el resto de figuras muestras líneas mucho más curvas sinuosas y suaves, gracias a las telas, con sus pliegues y su marcación de las líneas del cuerpo.

La perspectiva se centra en las manos y espadas que sostiene el padre siendo el punto de fuga del cuadro, ya que toda forma de la obra parece estar dirigida alrededor de esto, representando el juramento.

Esta obra también se compone de una sublime dimensión tridimensional clásica del Renacimiento, convergiendo todos los puntos de fuga en la figura central del padre y en sus manos, que sostienen las espadas.

En cuanto a la pincelada utiliza una muy fina y lisa, pasa así no poder apreciarla y darle más importancia a lo que se representa, dejando con ello una superficie muy pulida donde se pueden apreciar perfectamente las calidades táctiles como lo refleja en todas las telas de los distintos personajes, el metal de las espadas o por ejemplo la sensación de piedra de los suelos y paredes.

Los colores en esta obra con cobran gran importancia, por ello predominan colores fríos y matizados como son los grises y azules de las túnicas y el metal de las espadas, que se rompen con pequeños fragmentos de colores calidos como es el rojo de algunas de las vestimentas.

Por ello el predominio de colores apagados y fríos hace resaltar la figura principal que es la del padre y la propia importancia de la historia

Por otra parte la luz de la escena es natural proviene de la parte izquierda del cuadro y se puede apreciar una clara influencia del tenebrismo de Caravaggio en esta obra donde partes como es la figura del padre la observamos perfectamente iluminada para que cobre así mas importancia, pero en cambio los rostros de los trillizos Horacios se ven completamente en penumbra. Esta combinación de sombra y luces otorga volumen y drama a los cuerpos y a la acción en general. También mediante esta proyección de la luz podemos observar una serie de sombras alargadas en el suelo que al igual que las baldosas nos dan una perfecta sensación de profundidad en el cuadro.

En resumen esta iluminación es fría y le da un carácter solemne al conjunto de toda la obra.

En definitiva este cuadro no nos transmite un claro sentimiento, pretende plasmar una fusión entre heroicidad de los hombres que se van a la guerra para dar su vida con una mujeres que no llegan a emitirnos un sufrimiento real, pero prácticamente la obra cuenta con una perfecta técnica pero sin llegar a poner una gran pasión.

El Ángelus

Alba Calvo Navarro

El Realismo Francés (1848-1870) es un movimiento que surge propulsado por las revoluciones que provocaron el emperador francés Luís Felipe (anuló la libertad de prensa, de reunión, de expresión y ordenó matanzas indiscriminadas en las barricadas parisinas). Muchos de los pintores realistas se sienten atraídos por las ideologías surgidas de estas revoluciones. En pintura, el precedente más inmediato es el paisajismo de la Escuela de Barbizon, a la cual se aproximó Millet de ahí sus cuadros con temas de labores campesinas con más naturalismo que reivindicación social. Respecto a la estética realista podemos ver se suma al detallismo y la verosimilitud, y se aleja de las composiciones extravagantes. Los óleos pretenden ser claros y directos en la transmisión de su mensaje, para lo cual se remiten a una perfecta captación de la psicología de sus personajes, así como de las realidades materiales.

El papel del artista pasa a ser despertar la adormecida conciencia social sobre los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo infantil y femenino, jornadas laborales interminables,  condiciones insalubres de las ciudades industriales, desarraigo de la emigración rural, etc. Jean-François Millet pintor francés nació en Gruchy (1814) y falleció en Barbizon (1875 Francia). Se le puede adjuntar a dos estilos: Realismo francés e Impresionismo. Nació en una familia de campesinos de Normandía y, gracias a una beca, pudo estudiar pintura en París, en el estudio de Delaroche. Sus primeros retratos y cuadros mitológicos nada tienen que ver con sus posteriores obras de tema campesino, en las que se enaltecen la vida y las ocupaciones diarias de las gentes que trabajan en el campo. La primera de estas creaciones, a las que está indisolublemente unido el nombre de Millet, fue El cribador, presentado en el Salón de 1848, al que más tarde siguieron Las espigadoras, El Ángelus, sin duda su obra más conocida, y El sembrador, cuadros todos ellos de figuras humanas definidas con vigor sobre un fondo de paisaje verídico. En 1849, se estableció en Barbizon, donde permaneció el resto de su vida; aunque propiamente no perteneció a la famosa escuela de pintores de Barbizon, sí encarnó, como ellos, el deseo de huir de la vida urbana. A partir de 1863 y bajo la influencia de su amigo Théodore Rousseau, se dedicó con mayor intensidad al paisaje (La primavera, El crepúsculo). En 1859, El Ángelus le reportó la fama y la fortuna que no había logrado con sus obras anteriores, y ello le supuso salir por primera vez de la pobreza. Esta obra, sin embargo, lo encasilló como un pintor de efectismo sentimentalista, lo cual perjudicó su imagen hasta fechas recientes. El Ángelus es sin duda la obra maestra de Millet. En la imagen, aparecen dos campesinos orando y dando gracias a Dios por la cosecha obtenida. Millet no se interesa ni por la clase social de los campesinos, ni por sus características, sino por la figura simbólica del campesino y sus gestos. El hombre y la mujer agachan las cabezas, él aparece agarrando su sombrero y ella con sus manos al pecho. A sus pies, hay una cesta con los frutos y el apero de labor.

Millet adora la penumbra y eso se puede ver en este lienzo, la escena se desarrolla al atardecer, quedando las dos figuras en zonas de luz y sombra, en un contraste de gran belleza. Este interés por la luz natural acerca a Millet al Impresionismo, aunque su verdadero estilo era el Realismo. Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. Este pintor tiene un carácter exclusivo y metódico cuyo significado político es mucho menos subversivo de lo que pensaban sus contemporáneos. Cuando Salvador Dalí vio por primera vez el cuadro El Ángelus del pintor francés Millet, se vio invadido por una sensación extraña. En la imagen de la obra de Millet se aprecia una pareja de campesinos en actitud respetuosa, podría decirse que orando. En el suelo, al lado del campesino una horca clavada y en medio de ambos, un saco de patatas. Algo tan en principio, inocente, despertó la paranoia de Dalí, al punto de obsesionarse con el cuadro. Él veía más cosas en la imagen, cosas que nadie veía. Cierto o no que Dalí veía más cosas en el cuadro, la verdad es que analizado el lienzo con rayos X, se podía apreciar la presencia de un ataúd infantil debajo del saco de patatas. Este extremo lo había confirmado Dalí mediante conversaciones con un amigo de Millet. Según este amigo, el pintor francés había tapado el ataúd porque se había enterado que eso no sería del gusto de las nuevas modas parisinas. Acertó de lleno al cambiarlo como se vio, ya que la imagen pasó a decorar gran parte de los hogares franceses, pero escondió sus verdaderas intenciones, las de representar la muerte de un niño, el hijo de dos campesinos, enterrado en el campo sin más noticias para el resto del mundo que la presencia de sus padres.

Aislada en el primer plano, en medio de una inmensa y desierta llanura, la pareja de campesinos adopta unos aires monumentales, pese a las dimensiones reducidas del lienzo. Otros elementos dan perspectiva al cuadro como; las herramientas de trabajo, la carretilla y el pueblo al fondo (utiliza la perspectiva aérea)

Como conclusión  en esta cita textual del autor se observa que la obra se trata de un recuerdo de su infancia, ya que Millet no tenía la intención de exaltar ningún sentimiento religioso. : "El Ángelus es un cuadro que he realizado, pensando en como, trabajando antaño en el campo, a mi abuela no se le escapaba, cuando oía tocar la campana, de hacer que nos detuviéramos en nuestra labor para rezar el ángelus para estos pobres muertos ".

 

MADAME MATISSE      

Alba Calvo Navarro

 

 

Henri Émile Benoît Matisse: Pintor francés líder del fauvismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma. Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado, sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura.

 

En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos.

 A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio.

La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente.

Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro.

 Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck.

 Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones. El bodegón representó un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro fue una Naturaleza muerta con libros. En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905. A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas.
Entre los encargos más importantes que recibió se encuentra, La Música y La Danza. Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los detalles anatómicos. Este principio se extiende a otros campos como el de las esculturas en bronce, dibujos y obras en diversos medios gráficos. Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del instinto y la intuición en su producción artística. Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son las propias formas, líneas y colores los que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas. A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño, y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total. Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence. Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al découpage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido. Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal.

 

En 1905 en el salón de otoño de París, un critico de arte llamado Louis Vauxelles llamó fauces (fieras)  a un grupo de artistas que exponían ahí sus obras, debido a la violencia cromática que representaban las obras, se alejaban de manera consciente de la realidad, estos pintores fueron los creadores del Fauvismo movimiento intenso pero breve ya que en 1907, ya había perdido su carácter. Quería que sus cuadros tuvieran autonomía con independencia del aspecto que ofrecieran a nuestra mirada.

 

En este retrato duro y colorista de la esposa de Mattise  se refleja la perfección del momento.

La mujer se encuentra en posición de posar y seria, desvía su mirada ofreciendo así un aspecto de tranquilidad y a la vez de tensión.

Es una pintura mueble, un óleo sobre lienzo, su composición es triangular, y su dimensión es planista.

Es muy importante destacar el papel de las líneas (del perfilado) que definen las formas del vestido y el rostro, pero sin duda la línea más importante y que da nombre al cuadro, es la que delimita los lados de la cara.

Realiza un juego de colores (primarios y secundarios), cálidos y vibrantes realizados con una pincelada larga y empastada que recuerda al impresionismo.

Mediante a la utilización del amarillo, crea un juego de luces en el rostro con un lado mas iluminado que otro.

Es una pintura figurativa, no realista ya que no pretende reflejar la realidad como es. Es muy antinatural, debido al empleo arbitrario del color, sin ninguna función descriptiva.

Sus dimensiones son de 0.40 x 0.325. Y actualmente se encuentra en Copenhague, en el Museo Real de Bellas Artes

EL ARCO NEGRO DE KANDINSKY

El 4 de diciembre de 1866 nació en Moscú Vasili Vasílievich Kandinsky, uno de los pintores más representativos de Rusia, que además de teórico de arte, fue uno de los precursores de la abstracción.

Entre 1886 y 1889 estudió derecho en Moscú, pero su gran pasión siempre fue el arte. En 1896 rechazó un puesto como docente en la universidad de Dorpat para estudiar lo que realmente le gustaba en Munich, el arte. En Munich entró en contacto con las vanguardias gracias a Paul Klee, que junto al propio Kandinsky, fue uno de los creadores del grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), impulsor de la abstracción lírica, que se caracterizaba por la ausencia de contornos geométricos determinados. De Paul Klee recibió el ideal de que el arte no necesita conceptos figurativos y por ello Kandinsky buscó siempre la belleza a través de la combinación de colores, comparándolos con acordes musicales. El propio autor afirmó que “el color es el medio para ejercer una influencia sobre el alma”, un claro reflejo de este pensamiento fue el conjunto de estaciones que realizó en 1914. Tras el triunfo de la revolución rusa, en la cual colaboró, Kandinsky volvió a su país de origen, aunque no tardaría mucho en volver a Alemania, donde colaboró en el museo Bauhaus Kandinsky. En 1933 el museo fue clausurado por los nazis, y Kandinsky se fue a vivir a París, donde fallecería el 13 de diciembre de 1944, no sin antes evolucionar a una abstracción más cercana al surrealismo. Hay que destacar durante toda su obra que desde sus inicios con la exposición “Secessión de Berlín” en 1902 hasta su producción final ha variado mucho su dibujo. En sus primeras obras realizaba dibujos reconocibles, pero las etapas posteriores de su producción se caracterizaron por una abstracción total. Partió de la pintura figurativa para llegar a la abstracción. Para concluir con la vida de este autor hemos destacado una cita de su tratado “De lo espiritual en las artes”:

“Así como cada palabra pronunciada provoca una vibración interior, todo objeto representado en imagen provoca una vibración interior. Renunciar a esta posibilidad… significaría reducir el arsenal de los propios medios de expresión”

                                                                                             

                                                                                          Vasili Vasílievich Kandinski

Kandinsky fue todo un revolucionario del arte a comienzos del siglo XX y está considerado como el precursor del arte abstracto con su obra Primera acuarela abstracta. No obstante, hay que decir que Wassily Kandinsky llegó al arte de la abstracción pero tras un largo periodo en el que sus obras fueron de estilo expresionista, el estilo emergente en Alemania, más concretamente en Munich donde vivía por aquel entonces.

Es decir, su proceso para llegar a la representación abstracta fue partiendo de la emoción, de sus propios sentimientos, ya que él toma un rasgo de la realidad en su mente y en la tela iba transformando esa carga sentimental en otra cosa, distinta y por supuesto, tremendamente novedosa.

Hay que decir que la doctrina del Expresionismo propugnaba en sí misma la experimentación. Según esa doctrina, lo único importante en el arte, no era la imitación de la naturaleza, sino la expresión de los sentimientos a través de una selección de líneas y colores. Es entonces cuando Kandinsky llega al arte abstracto.

Kandinsky destaca en su obra literaria De lo espiritual en el arte los efectos psicológicos que provocan en el espectador los colores puros y en muchas ocasiones los relaciona con sonidos musicales. Desde ese punto de vista, plantea sus obras como experimentos que le lleven a crear una música cromática, donde cada color sea un instrumento.

Entonces pensaba, como podemos comprobar en cualquiera de sus obras que el arte no necesitaba de motivos figurativos, debe organizarse con libertad para que produzca una impresión espiritual y psíquica personal.

Se deduce que el camino que siguió Kandinsky  para llegar a un movimiento artístico como la Abstracción no fue una mera casualidad, sino que llegó hasta allí tras un largo proceso de reflexión sobre su pintura, y aunque en su momento causó una enorme polémica su obra, criticada por unos y alabada por otros, lo cierto es que él fue quien abrió una de las vías artísticas más exploradas hasta la actualidad, y él fue el primero de una larguísima lista de pintores en los que la imitación de la naturaleza ha desaparecido por completo, es decir, él inventó la llamada pintura no figurativa, y sin su presencia en la Historia del Arte sería inconcebible la pintura o el diseño gráfico actual.

Respecto a la obra El arco negro se encuentra dentro de las del grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Se trata de un óleo sobre lienzo a pesar de que se asemejan a las acuarelas abstractas del autor, y esto es porque las toma como precursoras para realizar esta obra.

Predominan las manchas de color enmarcadas entre las que se destaca “el arco negro”, que da nombre a la obra.
Los colores son muy subjetivos ya que como el mismo Kandinsky afirma “El color es un medio para ejercer una influencia sobre el alma”. Se armonizan primarios y secundarios aunque predomina una tonalidad suave. Además los colores hacen las líneas.

En la obra no existe tema ni composición aparente, ni tratamiento de la luz. Esto se debe a que estamos ante una auténtica abstracción situada dentro de la abstracción lírica.

LOS FUSILAMIENTOS DEL TRES DE MAYO - Eugenia y Sara

Contexto histórico

Fue un enfrentamiento militar entre España y el Primer Imperio Francés. La guerra fue causada por el incumplimiento del tratado de Fontainebleau (27 de octubre de 1807) en el cual, el primer Ministro Manuel Godoy daba el apoyo logístico necesario al tránsito de las tropas imperiales francesas. Las tropas francesas entraron en España para llegar a la frontera Portuguesa. Sin embargo Napoleón y sus tropas fueron tomando posiciones en importantes ciudades y plazas fuertes con objeto de derrocar a la Casa de Borbón y suplantarla por su propia dinastía, convencido de contar con el apoyo popular. Pero la población se resistió y dio lugar a numerosos incidentes y episodios de violencia, junto con la fuerte inestabilidad política surgida tras el motín de Aranjuez y el ascenso al poder de Fernando VII, precipitó los acontecimientos que desembocaron en los primeros levantamientos en el norte de España y la Jornada del 2 de mayo de 1808 en Madrid.

La guerra se desarrolló en varias fases. Se destacó por el surgimiento del fenómeno guerrillero que provocaron el desgaste progresivo de las fuerzas bonapartistas. La población civil, que padeció los efectos de una guerra total, en la que tanto franceses como los aliados se cebaron con la población y objetivos civiles, saqueando y pillando a gran escala. Refiriéndose a la guerra de independencia española, Napoleón I, en su exilio, declaró:

Esta maldita Guerra de España fue la causa primera de todas las desgracias de Francia. Todas las circunstancias de mis desastres se relacionan con este nudo fatal: destruyó mi autoridad moral en Europa, complicó mis dificultades, abrió una escuela a los soldados ingleses... esta maldita guerra me ha perdido.

Fraser, Ronald: La maldita guerra de España. Historia social de la guerra de la Independencia, 1808–1814.4

 Como consecuencia de la guerra España se quedo  excluida de los grandes temas tratados en el Congreso de Viena, donde se dibujó el posterior panorama geopolítico de Europa. Sin embargo el conflicto fraguó la identidad nacional española y abrió las puertas al constitucionalismo haciendo las primeras constituciones del país, como la Constitución de Cádiz.

Goya nació el año 1746, fue pintor y grabador español. Estudió con J. Luzán y, a partir de 1763, con su futuro cuñado J. Bayeu. Su obra primeriza son los frescos del Pilar de Zaragoza. En 1766-92 realizó más de 45 cartones para tapices como “El cacharrero”, “El pelele”, “La gallina ciega”… Fue pintor de cámara de Carlos IV en 1789. En 1792, a consecuencia de una grave enfermedad, quedó sordo, en esta época publico  “Los caprichos”. Fue un gran retratista (“Duques de Osuna”, “de Alba”, “Jovellanos”) y en 1800 pintó el gran lienzo “La familia de Carlos IV”, una de las joyas del Museo del Prado

 Amargado por el absolutísimo de Fernando VII, se retiró a su quinta del Sordo en las afueras de Madrid (1819), cuyos muros decoró con las llamadas “pinturas negras” pasadas después al lienzo (Prado). Grabó entonces la colección de “Los disparates”. En 1823  harto de la corrupción española, se exilió a Burdeos donde en 1828 murió.

Goya fue testigo de la transformación de un mundo en el que caía el Antiguo Régimen y se instauraba la sociedad de clases. Por esto, sufrió la marca de la cultura francesa y con su pintura, anunció todas las novedades de la pintura contemporánea, anticipando el Romanticismo, Expresionismo o el Surrealismo.

Al principio a Goya se le calificaba de afrancesado, ya que pinto entre otras obras el retrato a Napoleón, pero a la vuelta de Fernando VII pidió permiso para pintar un conjunto de obras que reflejaban una temática bélica. Entre ellas destacan “Carga de los mamelucos”, “Los fusilamientos de la Moncloa” y “Los desastres de grabados”, que es una serie de grabados en los que se representan diferentes escenas muy violentas de la Guerra de la Independencia.

Con respecto el 2 de mayo de 1808 en Madrid, también conocido como la carga de los mamelucos, fue un levantamiento popular contra las tropas francesas que produjo la muerte de más de mil españoles y de 400 soldados franceses. En esta obra el pintor pretende representar la violencia y la desigualdad del choque entre un ejército y un pueblo desarmado representado por la masa.

ANALISIS DE LA OBRA

Esta obra se titula los fusilamientos del tres de mayo. Se sitúa en el museo de Prado en Madrid. Este gran cuadro mide 268cm x 347cm y está pintado en óleo sobre lienzo. Su autor es Francisco de Goya. La escena representa el fusilamiento de algunos cautivos que habían sido apresados durante el levantamiento del 2 de mayo en Madrid.

Con la composición del cuadro Goya logra una perspectiva compleja, aérea, en la que tienen una mayor nitidez las figuras del primer plano mientras que las del fondo la pierden. El cuadro se divide en dos partes fundamentales, a la izquierda encontramos representados un grupo de civiles,  unos doce, en distintas posturas (uno se tapa la cara, otros ya muertos yacen en el suelo, otro aparece rezando, otro con los brazos abiertos...). Encontramos en este lado también la montaña del Príncipe Pío, que nos refleja el lugar donde se llevaron a cabo y que además hace de paredón de fusilamiento.

La parte de la derecha la conforman un grupo de seis soldados perfectamente alineados que apuntan con sus fusiles al grupo de civiles que tienen delante, horrorizados por la situación. Goya no ha representado el rostro de ninguno de estos, los franceses sin rostro no son nadie, tan solo una máquina de guerra delimitada por una negra pincelada que contrasta con el otro grupo, además no hay un oficial al mando, únicamente el pueblo que va a morir, el pueblo que se debe matar. Ellos solo cumplen órdenes. Al fondo, se aprecia una arquitectura perteneciente a la ciudad de Madrid, sumada a la negra noche donde se desarrolla la acción, y que cubre el resto de la composición. Goya utiliza mucho la exageración de la expresividad humana, de terror en los rostros de los que van a ser fusilados.

Puede ser que Goya al organizar la composición utilizando el farol como foco central utilizara los postulados de la proporción áurea. Esta proporción  consiste en subdividir un rectángulo en diferentes partes multiplicando las longitudes de los lados por un coeficiente, de este modo se consigue que el rectángulo se subdivida en diferentes secciones. La primera de ellas viene marcada por el eje vertical que forma la veleta de la torre, el segundo eje, horizontal, sería la altura a la que esta situado el farol.

Consigue grandes contrastes en el color, pero también lo utiliza como recurso expresivo. El tratamiento del color es muy libre, utiliza una pincelada suelta, con trazos vigorosos y escuetos. El color y la imagen están por encima del dibujo. Goya consideraba que la pintura no era un mero ornamento, él utilizaba la pintura como arma con contenido político, expresando su ideología.  La aplicación de los colores es soberbia, hay una gama limitada, con un gran predominio de ocres, negros y grises, y acorde con el sentido dramático y nocturno del acontecimiento. Vemos también algún toque de verde y de rojo, en la sangre de los fusilados, algo que marca drásticamente la escena de muerte.

Utiliza la luz como doble recurso, compositivo y espacial, ya que da una definición perfecta del espacio donde se encuentra, y con tres planos fundamentales. La única luz del cuadro es artificial y proviene del farol que se encuentra en el suelo y que ilumina intensamente a la figura del patriota madrileño que, con pantalón amarillo y camisa abierta blanca, abre sus brazos como un Crucificado laico, en actitud de valentía y arrogancia. Con este detalle Goya logra un juego de luces y sombras para destacar el dramatismo de la situación, ya que el farol está situado entre los que van a ser fusilados, (que los ilumina) y el pelotón de fusilamiento (al que oscurece), es decir, hace un eje divisorio entre los héroes y los villanos.

Hay varias teorías de por que Goya realizó esta obra, por un lado se piensa que es un homenaje ya que el no estuvo presente, y otros afirman que si que lo presencio. De esta última se tiene el testimonio de su criado Isidro

"Desde esta misma ventana vio mi amo los fusilamientos con un catalejo en la mano derecha y un trabuco cargado con un puñado de balas en la izquierda. Si llegan a venir los franceses por aquí, mi amo y yo somos otros Daoiz y Velarde."

Es uno de los cuadros de la historia del arte que más versiones posteriores ha tenido, como Javier Bolaños De Hoyos, es una versión prácticamente abstracta, José Manuel Ballester, Picasso.

También inspiró obras muy importantes como el propio Guernica de Picasso.