URBANISMO ROMANO - HAYAT HAWA

La civitas (ciudad) era la asociación religiosa y política de las familias y las tribus; en cambio, la urbs (urbe) era el sitio de reunión, el domicilio, y el santuario de esa asociación. La urbs se formaba  de un golpe por el conjunto de la civitas y la urbe. Destacamos una diferencia muy importante entre el arte griego y el romano dentro de la arquitectura, y esta es, que los romanos se preocupaban por el aspecto práctico, no por el aspecto estético.

Para los romanos, urbanidad era sinónimo de educación y cultura, de ahí, que la mayoría mudara de las aldeas a las ciudades. El origen de las ciudades romanas surge a lo largo de los años de las ciudades etruscas, que es la base de origen en estas ciudades; las plantas hipodámicas (herencia del arquitecto Hipodamo que siguió la estructura reticular) de las ciudades helenísticas del siglo III a.C. ; y por último tenemos la influencia de los campamentos militares heredado de parte de los romanos.

Las ciudades se trazaron primeramente de forma natural, que consistía en la adaptación de las aldeas primitivas etruscas al medio físico; y por otro lado, con el paso del tiempo surgió el trazado planificado, que consistía en un trazado prácticamente rectangular y cuadriculado.

La ciudad se estructuraba:

-En un perímetro principalmete pensado para que fuera defensivo.

-Tiene dos calles principales más anchas, que se cortan perpendicularmente a modo de cruz, que           -Recibían el nombre de decumanus (de este a oeste), y cardus o cardo (de norte a sur).

-El resto de las calles siguen la estructura reticular (también conocida como estructura de barras interconectadas y entrecruzadas) hasta concluir la estructura viaria secundaria.

-Estas calles complementaban el trazo en retícula (cuadricularmente) y formaban manzanas, denominadas ínsulas, donde habitaba la población en sus viviendas.

-La intersección de las dos calles principales daba lugar al foro o centro de la ciudad, que tenía la función político-administrativa.

La ciudad presenta normalmente:

-Un recinto amurallado y un enrejado ortogonal (ángulo recto). -Estaba hecha para que cupieran aproximadamente trescientas familias.

-En el foro se llevaba a cabo la vida política de la ciudad; se rodeaba por un pórtico continuo de edificios.

-El templo que se solía encontrar en el foro estaba dedicado para la tribuna a los oradores de la asamblea de ciudadanos.

-También encontramos monumentos públicos de gran importancia como las bibliotecas, las termas, las basílicas (edificio de nueva creación, cuyo origen se cree que es helenístico, y servía para administrar justicia y realizar transacciones comerciales), teatros, el Capitolio (edificio majestuoso y elevado), mercados con sus respectivas tabernas y casas, etc.

-Con el paso del tiempo, fuera del recinto de las ciudades, es decir, en las afueras, se fueron construyendo mercados, templos, fuertes, necrépolis (cementerios), etc.

Tienen una gran importancia las "villas romanas" que eran habitadas por las familias nobles, adineradas, éstas se situaban alejadas de las ciudades, y eran como la domus (la casa privada) pero más grande, complicada y no presentaba regularidad en la planta.

También cabe destacar las grandes obras de ingeniería romana que presentan las ciudades. El Estado pagaba las infraestructuras que garantizaban a los habitantes de la ciudad comodidad (agua en abundancia gracias a los acueductos, calles empedradas con aceras, incluso con pasos de peatones), higiene (alcantarillado, baños, cloacas), abastecimiento (mercados), seguridad (murallas) y entretenimiento (teatro, circo, anfiteatro), que muchas de estas construcción tienen un origen etrusco.

Ejemplos de ciudades importantes romanas son Palmira en Siria, la ciudad de Timgad en Argelia, y en España tenemos Emérida Auguta (Mérida).

Para concluir, se dice que los romanos extendieron su modelo de ciudad. Las zonas que conquistaban reformaban las ciudades, si existían, y si no, las fundaban; y así formaban la población culturalmente.

Circo Máximo, Belén Morro

Circo Máximo

El circo máximo fue el edificio más representativo de Roma,  fue construido en el 600 a.C, fecha muy primitiva para Roma, se acababa de establecer la monarquia en el 750a.C, ésta fue considerada la primera forma de gobierno de la ciudad, los reyes eran elegidos por el pueblo para un cargo vitalicio, no se elegían por su descendencia, sino por su virtud y nunguno de los reyes tuvo que emplear la fuerza militar para acceder al trono. El circo Máximo está situado en la Vellis Murcia.

Su función era civil pública de entretenimiento ya que se encargaba de entretener al público romano de aquella época. Al principio los espectadores se colocaban en las laderas de la montaña, posteriormente se contruyó un estadio de madera que fue sustituido progresivamente por gradas de albañilería

 El circo romano estaba dividido en varias partes: la Spina, la arena, la cavea

En la parte superior de la Spina se colocaban la estatua de los dioses y en sus extremos eran colocados los postes de giro, donde los carros hacían giros a gran velocidad, la arena, era el escenario donde se realizaban los espectáculos y tenía una forma alargada,  y por último, la cavea, lugar donde se localizaban los espectadores de forma alargada que rodeaba la arena, sobre los puestos de salida, se situaba el palco presidencial, mientras que en el extremo opuesto, sobre la grada semicircular, se instalaba el palco de jueces bajo el cual se abría la porta triumphalis, por donde salían los vencedores. El circo máximo contaba con una capacidad para 300.000 espectadores.

En el circo romano se realizaban distintos tipos de espectáculos como combates de gladiadores, bestias salvajes…pero el espectáculo más popular y más visto eran las carreras de carros, en las que competían 4 equipos: verde, rojo, azul y blanco (colores que representan los elementos) y cada equipo conducía 4 caballos (que representan a las estaciones)

Los juegos comenzaban con un espectacular desfile inaugural (pompa) por las calles de la ciudad hasta la arena del circo. Después, el organizador de los juegos subía al palco presidencial y desde allí daba las salidas de las carreras lanzando un pañuelo (mappa) a la arena. En ese instante, en el caso de las carreras de carros, las verjas de las carceres (compartimentos para los carros) se abrían todas a la vez y la multitud estallaba ante la salida de los competidores. Para completar la carrera (missus) tenían que dar siete vueltas a la pista, en sentido contrario a las agujas del reloj, después de las cuales el auriga (conductor) que resultaba vencedor recibía como premio una palma y una corona de laureles, además de una considerable fortuna. Algunos aurigas se convertirían en ídolos de masas, como es el caso del hispano Diocles, quien obtuvo nada menos que 1462 victorias en sus veinticuatro años de carrera. Los aurigas Llevaban además un cuchillo para poder cortar las correas en caso de caída y no ser arrastrados por los caballos, pues los accidentes eran bastante frecuentes. Su esplendor fue tal que llegó a ponerse de moda la expresión, "pan y juegos de circo”

Los contadores de vueltas solían ser unos huevos de piedra o estatuillas de delfines. La mayoría de los corredores se jugaban mucho más que el prestigio o grandes premios en las carreras, ya que muchos ellos eras esclavos luchando por su libertad.

Todas las competiciones que se llevaban en el circo, incitaban a realizar importantes apuestas.

El circo Máximo fue un edificio tan importante que Dominiciano conectó su palacio al circo para poder ver fácilmente las carreras y el emperador Trajano amplió el palco para incrementar su visibilidad en los juegos.

Actualmente el circo máximo como edificio en sí, no lo podemos encontrar, solo quedan unos pocos asientos y unos cuantos pórticos así podríamos ver la explanada en la que estaba situado y en ese lugar se siguen haciendo espectáculos de fines lúdicos, por ejemplo en 2005 se realizó un festival.

Además del circo máximo en roma, en nuestro país también hay importantes circos romanos, como es el caso del circo romano de Mérida que tenía un aforo de 30.000 personas, dividido en 4 caveas en las que podíamos apreciar la división de las distintas clases sociales. Los espectáculos más conocidos fueron las carreras de carros y las carreras de bigas (2 caballos).

También otro ejemplo es el circo romano de Tárraco (Tarragona), este circo tenía un aforo de 25.000 personas. Se conservan restos de los asientos en 2 escaleras y unas butacas de piedra reservadas para las autoridades de la ciudad.

El Auriga de Delfos, Noelia Vaquero

AURIGA DE DELFOS

 

 

El Auriga de Delfos se sitúa en el periodo severo. 

En la primera mitad del siglo V a.c. se produce una evolución en escultura donde poco a poco se iran dejando atrás características arcaicas como la rigidez y se desarrollaran otras más dinámicas que anticipan el clasicismo, también se desarrollara el uso de materiales variados, como mármol y bronce.

 

En 1896 se descubrió esta majestuosa escultura; gracias a un desprendimiento en las excavaciones de los franceses en Delfos; para realizar las excavaciones se tuvo que trasladar en principio todo un pueblo que se encontraba encima: Castri, por lo que los franceses pagaron 400.000 francos; aunque acabó siendo borrado del mapa, en dichas excavaciones se hallaron el auriga y fragmentos de la cuadriga (dos patas traseras de alguno de los cuatro caballos, el brazo del tirano de Gela  y algunas partes del carro). Actualmente se encuentra en el museo de Delfos.

 

El Auriga de Delfos se construyó por encargo de Polyzalos, tirano de Gela,  Sicilia, para conmemorar su victoria en una carrera de cuadrigas en Delfos, el conjunto escultórico constaría de un carro con caballos, probablemente cuatro, el auriga conduciendo dicho carro y el propio tirano. Su autor es desconocido pero se barajan diferentes nombres: Pitágoras de Región, Oratas de Egina, Hegias de Atenas, etc. Hacia el año 474-475 aproximadamente.

Es una de las pocas esculturas de bronce del siglo V, para su elaboración se utilizo la técnica de la cera perdida, que consiste en una vez moldeada la escultura en arcilla se cubre con una fina capa de cera, sobre la cual se aplica otra capa de arcilla y cenizas, se hace un agujero que atraviese la escultura de arriba abajo, se introduce por arriba entonces el bronce fundido que va cubriendo toda la escultura y al mismo tiempo la cera cae por abajo, para terminar se deja secar. Una vez seco el bronce se rompe la capa exterior, dando lugar a la escultura. Además utiliza láminas de plata y cobre para los labios y cristal y piedra para los ojos.

 

 

 

 

Características: 

 

®   Va vestido.

®   Esta proporcionado.

®   Mantiene la rigidez, aunque se rompe un poco con la cabeza ladeada (que anticipa la del Discóbolo) y el brazo doblado.

®   El Auriga de Delfos busca una compensación compositiva a partir del ladeo de la cabeza hacia el lado contrario que el resto del cuerpo.

®   Respecto a la expresividad se sigue la idealización del ethos,  aunque hay quien dice que expresa serenidad.

®   El pelo esta dividido por una diadema en dos partes que se trabajan de dos formas distintas, la parte de arriba plano, pegado, sin profundidad y la parte de debajo de la diadema haciendo unos rizos, para significar o evidenciar el tema de la belleza.

®   Los ojos son de piedra y cristal, de un color marrón, además tiene pestañas incrustadas. Los labios son gruesos y están compuestos por láminas de plata y cobre.

®   Es una escultura exenta de bulto redondo.

®   Los pliegues de la ropa no son muy naturales, aunque da un volumen que rompe con épocas pasadas. Dividida por una especie de cinta la parte superior esta más trabajada, más cuidada y es más expresiva que la parte de abajo, esto se debe seguramente a que la parte inferior estaría tapada por el carro de caballos que guiaba el auriga.

®   Hay que observar bien la escultura para percatarse de mínimos detalles como en la mano y en los pies, las uñas de cada uno de los dedos o algunas venitas en el empeine de ambos pies que, en cierto modo le dan vida.

 

 

El espinario, Paula Perez

EL ESPINARIO

 

El Espinario es una obra del siglo I a.C. alrededor del año 200, por lo que corresponde al período helenístico, último período del arte griego que abarca del siglo III a.C. al I a.C., cuyo autor es anónimo. El helenismo fue una época de gran esplendor dentro del arte griego y en el que se hizo un cambio que hasta entonces no se había visto, lo más importante ya no era la técnica sino la temática en la que surgen temas variados no representados anteriormente como las escenas de la vida cotidiana, las escenas violentas, niños y ancianos, animales, la fealdad, el exotismo y el erotismo, y empiezan a aparecer los sentimientos y la expresividad en las esculturas. En este periodo cobran gran importancia las escuelas escultóricas, en las que el artista cae en el anonimato.

Esta escultura representa a un niño atleta sacándose una espina del pie, según una historia legendaria la escultura fue creada como homenaje al joven Martius, al que fue encomendada la entrega de un mensaje importante con destino al Senado romano, Martius recorrió su trayecto y sólo se paró a quitarse una espina que se le había clavado en el pie, cuando había acabado su misión. Este gesto fue un modelo a imitar, por lo que se han creado numerosas copias de El Espinario. Se pueden encontrar copias en el Museo Capitolino de Roma, en Londres, en Florencia, en París, en el museo nacional de Valladolid, en el museo del Prado, en los jardines de Aranjuez y en Barcelona, supuso tanta revolución artística, que aparte de esculturas, esta obra se utilizó como decoración en iglesias y catedrales como la iglesia de San Pedro de Ansemil en Pontevedra y las catedrales de Burgos y de León.

El material original es el bronce aunque las copias también son de mármol. Es una escultura naturalista de niño que representa una acción de la vida cotidiana como el resto de temáticas que destacaron en el Helenismo. Pierde la frontalidad que tenían las esculturas en las épocas anteriores y pasa a ser una escultura exenta de bulto redondo, ya que, se puede observar por todos sus lados, también se rompe con la rigidez al estar sentado sobre un peñasco con la pierna izquierda levantada y apoyada sobre la derecha, estas forman un ángulo recto que contrarresta con la línea diagonal que marca el torso, los dos brazos despegados del cuerpo, la espalda inclinada y la cabeza ladeada con intención de quitarse la espina clavada. Esta escultura es una obra pequeña de 73x45x55 cm y 165 kilogramos de peso.

Uno de los principales objetivos del arte griego era el estudio anatómico de las esculturas representando el cuerpo humano con la mayor perfección posible, esto lo consiguen con esta obra, donde aparece el movimiento y las torsiones corporales.

El niño de la espina es una escultura sedente, que presenta realismo con el movimiento de los pies y las manos, la postura inclinada del cuerpo y la concentración de la mirada dirigida a la planta del pie izquierdo.

Algunos análisis dicen que se creó a partir de dos esculturas diferentes, por un lado, el cuerpo que sería de la época helenística por su correcta anatomía y naturalidad, al que se habría añadido posteriormente una cabeza sin expresividad correspondiente a una figura erguida, ya que, esto explica la caída ilógica de la melena.

Comentario de Atenea Niké

El templo de Atenea Niké es un obra arquitectónica encargada por Pericles a Kalikrates en el 448 a.C. para que lo reconstruyera ya que había sido destruido en el 480 a .C. con la invasión de los Persas. Anteriormente en el siglo VI a.C. el templo se había edificado sobre un bastión de los propileos (conjunto de edificios en forma de entrada triunfal) que domina la subida a la Acrópolis.
Los materiales que se utilizaron fueron mármol y restos del anterior templo. Sin embargo, la reconstrucción se retraso debido las obras del Partenón ya que era el mismo arquitecto Kalikrates, quien la dirigía. El templo estaría encuadrado en el orden jónico, que se solía utilizar para los templos de las divinidades femeninas.
Tiene unos 8 metros de altura y esta sobre una plataforma escalonada desde donde se asientan los muros y las columnas jónicas de mármol con basa, fuste monolitico (una sola pieza de piedra) con 24 acanaladuras y capitel con volutas. El entablamento tiene un arquitrabe de 3 bandas y con un friso corrido en el que podemos observar escenas de hechos históricos, algo inusual en el resto d templos griegos. Las imágenes representan a Atenea, Zeus y Poseidón ayudando al pueblo griego en la batalla para lograr una victoria que no llego nunca. Esto se hizo con la intención de levantarle la moral al pueblo griego ya que estaba en la guerra del Peloponeso. En la balaustrada que rodea el templo se pueden observar bajorrelieves de la diosa Atenea sedente y rodeada de sacerdotisas que le preparaban animales para ser sacrificados. Estos relieves suponen que son posteriores a Fidias por la delicadeza y elegancia de los ropajes.
 En cuanto a la planta, el templo tiene pronaos (vestíbulo delantero) y opistodomus (vestíbulo trasero) que hacen a su vez de pequeños pórticos. El recinto sagrado se distribuía con una náos cuadrada. En su interior encima de un altar situado sobre unos peldaños hay una imagen de una Xoanon, es decir, una diosa Atenea personificada como Niké, símbolo de las victorias navales a la que se le cortaron las alas para que no pudiera escapar de la ciudad.
 El templo según el número de columnas es tetrástilo (4 columnas), según su número de pórticos es anfipróstilo (2 pórticos). Podemos pensar que este templo es muy pequeño con respecto a los otros, como por ejemplo el Partenón, pero eso es debido a que se trata únicamente de una representación del “hogar” de la diosa.

Laocoonte y sus hijos - Alba Calvo y Paula Jimenez

Laocoonte y sus hijos

Se trata de una obra escultórica de bulto redondo, realizada originalmente en bronce y la actual reconstrucción en mármol. Fue realizada por los escultores griegos Agressandre, Polidor y Atenedor, de la escuela de Rodas.

Pertenece a la época Helenística, ya que fue realizada en el S.I a.C. En esta época se tendía a copiar  los estilos anteriores, pero su originalidad no fue la técnica sino la temática. Surgieron temas no representados anteriormente como la infancia, la violencia, la fealdad,  el exotismo y el erotismo.

Se encontró en el año 1506 en las ruinas del palacio de Titus en Roma. Cuando se descubrió le faltaba el brazo derecho, por lo que se hizo un nuevo brazo en posición extendida, pero cuando se descubrió el brazo original, estaba doblado en la posición que Miguel Ángel había propuesto para la reconstrucción. En la actualidad se encuentra conservada en el patio del Belvedere del museo del Vaticano (Roma).

Esta escultura influye en artistas como Miguel Ángel, quien pensó que era la obra maestra de las artes.  Influencia que se ve reflejada en obras como el techo de la capilla Sixtina.  Y en otros artistas como Rafael en el Parnas

La Obra del Laocoonte tiene  gran carácter dramático, ya que representa la lucha brutal por la vida en una composición muy compleja.

 Esta mide 2,42m. de alto, por lo cual no cumple el canon de la época de poseer el cuerpo 7 cabezas y media. Consta de una figura central (Laocoonte) y dos secundarias (hijos), unidas por serpientes con formas helicoidales, que ayudan a dar movimiento y unidad a la escultura. Son líneas básicamente curvas, y ángulos redondos para dar mayor dinamismo. Su composición forma una estructura piramidal.

Centrándonos en el Laocoonte, el pathos se acentúa en la expresión de su rostro, en detalles como, arrugas de dolor en su cara, ojos dilatados y asimétricos, boca entreabierta.  Con ayuda de la perfección de la técnica consigue un mayor realismo en el cabello provocando un contraste de luces y sombras. En cuanto al cuerpo observamos un gran estudio anatómico, tórax hinchado por el estrangulamiento de la serpiente, el abultamiento de músculos y venas, la colocación de los pies a distintas alturas o los brazos despegados del cuerpo y colocados en todas las posiciones para dotar de movimiento. A diferencia de  este, las dos figuras secundarias presentan un estudio anatómico menos desarrollado y menor expresividad en el rostro.  Los tres cuerpos humanos aparecen desnudos, pero bajo ellos podemos ver unas telas, que representan las ropas que llevaban antes de ser atacados.

Representa la guerra de Troya explicada por Virgilio, donde Apolo castiga al sacerdote Laocoonte por haber advertido a los troyanos de la trampa que los griegos les habían introducido en la ciudad, dentro del caballo. “Desconfío de los Dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos”. El castigo fue morir junto a sus hijos, ahogado entre los anillos de enormes serpientes.

Para concluir hacer referencia a Wincklman, uno  de los protagonistas del debate de las cualidades de este grupo escultórico, que dice lo siguiente: Ante el espectáculo de este prodigio del arte, olvido todo el universo; yo mismo tomo una posición más noble para contemplarlo con dignidad. De la admiración paso al estasis. Embargado de respeto, siento mi pecho que se dilata y se eleva, sensación que experimentan los poseídos por el espíritu de las profecías. ¡Como poder describirte, oh inimitable obra de arte! Haría falta que el arte mismo se dignara inspirarme para conducir mi pluma

Afrodita de Cnido - Celia Garzaran

AFRODITA DE CNIDO

La Afrodita de Cnido, Venus de Cnido o Afrodita de Cnidea es una obra escultórica exenta, de bulto redondo. La obra original estaba realizada en mármol fino labrado y pertenece al escultor griego Praxíteles, del cual no se sabe con cetidumbre la fecha de nacimiento y muerte, pero se considera que nacería hacia el año 400 a.C. Esculpió esta escultura en el año 360 a.C.

La escultura estaba instalada en el centro de un templete abierto en Cnido, una ciudad helénica de Anatolia, hasta que desapareció durante un incendio. Posteriormente se realizaron muchas copias, que se conservan hoy en día.

Teniendo en cuenta el momento de su realización, la Afrodita de Cnido pertenece al periodo clásico tardío del arte griego, caracterizado por la estilización de los cánones, el perfeccionamiento de la sensación de movimiento, la pérdida del absoluto equilibrio, la búsqueda de la armonía y el gusto por la proporción.

Este es el momento en el que la democracia ateniense entra en crisis, y poco después se producen las guerras del Peloponeso.

La figura, esculpida en mármol de Paros y recubierta con capas de cera transparente que fundía los distintos colores, exagera el contraposto, hasta crear una gran curva en la cadera dibujando una pronunciada “ese”, que constituye la famosa “curva praxiteliana”. Por esta razón necesita un apoyo para compensar su desequilibro, que en este caso son el manto y el ánfora sobre los que se apoya.

El acabado de Praxíteles muestra un gran dominio del arte de la escultura. En esta en concreto observamos a Afrodita, diosa griega del amor, la sensualidad y el erotismo, tras haber tomado un baño, de pie y sin ropa. La diosa se muestra sonriente y recatada, ya que trata de cubrir su pubis delicadamente con la mano.

Fue encargada por los habitantes de la ciudad de cos, quienes la rechazaron por impúdica, así que fue adquirida por los ciudadanos de Cnido. Poco después la obra se hizo famosa y venerada: era la primera escultura femenina que representaba un desnudo y se convirtió en un ideal o cánon de belleza.

La modelo en la cual está inspirada la obra fue una famosa cortesana llamada Friné, la cual fue amante de Praxíteles y posó desnuda y en una actitud totalmente íntima.

En la actualidad se conservan bastantes copias de la obra original, siendo la más destacada la Afrodita de Cnido llamada la Venus Colonna, que es una copia romana, la cual se encuentra en el Museo Pío-Clementino (Vaticano).